弧之想像 --- 畫界詩哲劉永仁
文 / 蕭瓊瑞 藝評家、國立成功大學歷史系 教授
劉永仁的抽象繪畫，並不完全抽象，他的抽象繪畫當中，隱藏著對某些物象的深沈眷戀與回憶；劉永仁的幾何抽象，也並不完全幾何，他的幾何抽象當中，也帶著一些色面的豐富層次與筆觸的表現意味。總之，在抽象/物象、幾何/表現的拉扯、收放之間，就像所有生命體的呼/吸一般，雙子星座的他，展現了一種「深度呼吸之複次方」的創作特性；在他的畫面中，有湛藍的星空、有鬱黑的暗夜，卻也有旭陽初升的金黃，他正是以這樣的風格，成為台灣畫壇1990年代之後一個鮮明的存在。
1958年出生台東池上的劉永仁，大自然的原野、寧靜神秘的星空，和遼闊的山海，蘊育了他的藝術生命；父親是一位耕讀持家的讀書人，對書法的喜愛，也影響了劉永仁對藝術的介入，選擇從水墨著手；即使日後主要的創作媒材改為西方的油彩或壓克力彩，卻仍始終帶著水墨繪畫多方敷染的層次特性，特別是對黑色的使用，有著一種黑中之黑、墨透紙背的深沈韻味。
水墨藝術對劉永仁的影響，還不只在形式、色彩，或媒材等等的物質層次，作為一種東方藝術的主要媒介，水墨藝術更是一種精神上、哲學上的體認與表現。在人類的文明史上，能將繪畫媒材和身體感官結合的，應該就是這個被稱為東方筆墨體系的書畫藝術了。早在3000～5000年前的彩陶文化，便可窺見當時的人們如何運用帶著柔性特質的毛筆，沾了墨汁、紅彩，在當時的陶器表面，畫出那些帶著漩渦紋飾的線條；那是人類在經歷了長久的人獸相爭的緊張的漁獵時代後，開始有了定居的生活型態；面對舒緩的農業生活，和土地有了感情，在捏泥塑形的陶器表面上，留下了深具濃厚情感的線條；一直到了所謂「書法」時代的來臨，人們更在筆劃的陰陽頓挫中，搭配著身體的律動與呼吸的起伏。
歷經陽明山上文化大學美術系對中國傳統繪畫的探索，劉永仁開始不滿足於墨守成規的題材，他堅信：藝術創作應是要傳達獨特的理念與精神，而非複製自然、更非複製前人。1990年，他決定放棄原本已然穩定的文建會美術科的工作，毅然前往歐洲開拓眼界；特別是在義大利，他呼吸到一種全然不同的空氣，那是一種桎棝的解放：藝術就是生活，就是一種日常中的存在。劉永仁一方面進入國立米蘭Brera藝術學院研修，二方面，也為國內知名的藝術雜誌《藝術家》、《典藏》等擔任特約撰述的工作；但更重要的是：密集的個展，展現了他驚人的創作力與活動力，包括：1990年在貝魯加(Perugia)格里瑪納文化中心、1993在阿比色拉(Albissola)藝術家畫廊、1994在波洛尼亞(Bologna)德里布納畫廊(Galleria Dávte dei Tribunali)、1995年在羅馬的「羅馬&藝術」(Roma &Art)畫廊……，密集的發表，也贏得義大利藝壇對這位年輕藝術家的注目與重視。
八年的義大利生活，改變了劉永仁的創作媒材，但並沒有改變他對水墨精神的持續追求與開展。1996年在台北帝門藝術教育金會的個展「深度呼吸之複次方」，正是在一種同色系的光影與色彩的變化中，展現某些心象的軌跡；在看似抽象的筆觸和色彩中，顯然隱含著對池塘或天空的投影與捕捉。母校Brera藝術學院的教授克勞帝歐．伽里泰利(Claudio Cerritelli)評論他的作品說：「其畫的內涵將人們的眼界帶離現實視域，推向『超越的界線』，作品具有擴張氣質，近乎複數空間的適切性；在此種意義上，劉永仁的繪畫並非自然主義者，而是追求抽取轉化為抒情的幻想，亦即企圖使成為視覺之外的另一『他處』。水平弧線總是超越其自身投影，築構成基於無限萌發不斷光芒的影像。」
水平弧線，不僅僅是畫面的形式構成，更是精神與思維的特質。我們雖然無法完全透晰在米蘭的生活現實中，有無那樣的一座湖面？但不應遺忘的是：這位來自台東的藝術家，故鄉的名字正是「池上」，而這地名的由來，也正是因為當地擁有一個由自然湧泉形成的大坡池。從傳統水墨的山水，轉為油彩的池面天光；藝術家說：「小時候我對大坡池的印象，總覺得湖面很寬廣，深不可測，而且似乎有不尋常的神秘感；一年四季，大塊、綠田、雲山，飄移佔據心裡最原初的畫面，......」
從湖面與天空意象的「深度呼吸之複次元」，中經以都會建築為取材的「城垣壓縮」(1999)，2006年的「鍊金術」是劉永仁藝術發展的一個重要關鍵；一種直線與弧線交叉所形成的類似蓮蓬頭的造型，搭配著大片單一色彩的空間，開始成為畫面主要的語彙，也是藝術家個人風格明確建立的首次。
〈鍊金0601〉是觸動藝術家進一步思索不同媒材可能性的一件重要作品。蜂蠟結合鉛片媒材特質，以液態蜂蠟繪於鉛片上，俟凝結後產生半隱半現的視覺效果；溫潤的蜂蠟塑形，從液體到固體的質感變化，將蜂蠟視為油彩書寫顏料，或傾注於金屬性質有延伸性的鉛片，造成層次分明的肌理隱約顯現。而金黃的蜂蠟色澤浥注於青灰色的鉛片上，在形跡上既保留瞬間永恆的狀態，畫質又呈現曖昧的半透明霧面，更讓藝術家和觀眾同時產生一種難以言喻的視覺魅力。
2006年展開的「鍊金術」，在2013年的「呼吸．取境」個展中，獲得較全面的呈現，在相當的程度上，以弧線隔開的金黃、水藍，和幾個如稻草堆或蓮蓬頭的黑、灰造型，也成為21世紀台灣當代畫壇的「劉永仁標示」；而細究這些畫面元素的來源，顯然又要回到那童年故鄉池上生活的記憶：池上因水質良好，大坡池的周圍佈稻田，童年的藝術家會和同伴在大坡上划船採菱角，而蓮池中成熟的蓮蓬頭，以及秋收後田地中金黃色一堆堆叢叢的稻草堆，也都成為日後創作的永恆元素。
2019年的「時空的呼吸」個展，是劉永仁自北美館展覽組退休後的首次個展，曾經集策展人、論述者、創作者於一身的劉永仁，現在可以放下繁忙的行政工作，全心投入在創作上。年初的一趟歐洲之旅，火車在高山雪地上穿越的感受，巨大的人工高架電塔、寒冬冰封的身體感受，以及火車快速移動的視覺刺激，在在成為此次創作的元素：天地悠悠、大塊蒼茫，我與時空共呼吸。
圓形的畫幅，是此次展出最明顯的特色之一；在高山空曠的雪地上，更讓人容易感受到「天圓地方」的空間特質。冰冷的鐵塔橫過，那是人在巨大的時空中尋求生存的一種努力；而〈巡田〉、〈晤光〉、〈午寐〉、〈進出〉、〈黎明〉、〈蒼茫行吟〉……等等的標題，那是自公職退休之後藝術家的心情寫照。畫面中，看似單純的色彩，仍隱藏著蜂蠟、鉛片、油彩，與畫布的細膩對話。
「晶萌」系列是2016年的創作，以類似雲彩隔開的上下空間，是一種屆臨退休前後心境的徘徊與對照；「空間張力」及「游移疆界」等，則是2019年同時開展的一批新作。弧線的消減和直線的增強，似乎也是藝術家另一個嶄新階段即將展開的序曲。誠如藝術家的自述：「我覺得自己不管長到多大，隨時都會回到大坡池那片稻田中，不太被小事情束縛；這是我的個性比較開朗，我心目中總有那一大片天空與稻田，稻田旁邊馬上矗立一座大山，山頂雲影流光，隨時快速移動，撥雲見光，這好像也是我的人生觀。」新作中曲折的直線，仍讓人聯到那穿梭在蓮葉、稻桿間的藝術家童年。
劉永仁說：「時間和空間重複地進出與循環，我感知的宇宙是一個無邊際的圓弧，它緩慢而均衡，已無法用速度或前後去界定，渾然結為一體。一切畫面都是時空剎那的切片，但又可以在意念中無限延伸、位移。」
曾有藝評家形容劉永仁是「藝術家、鍊金師、巫師」，毋寧說：劉永仁更像一位當代藝壇的詩人哲學家。